This Wednesday, the Geneva University of Art and Design (Haute École d’Art et de Design —Genève) will be hosting an open house starting around 2pm. The two departments of the Master Design (Media Design & Space and Communication) will be showing some of our latest work. If you’re curious, come by and say hello.
Here are some highlights of the type of work we do over in the Media Design side of the program.
Geek Run, Maria Beltran, Emilie Tappolet, Raphaël Muñoz
TimeHue is a clock that represents time as a series of hue values ranging from 0° to 360° within in the HSL color space.
To read the clock, start from the center and move outwards: the hue of the small circle represents hours, the middle continuous hue represents minutes and the surrounding outer hue represents seconds. The segmented color wheels are merely there for reference, broken into 12 color segments for hours and 60 color segments for minutes and seconds.
An iOS (iPhone, iPodTouch, iPad) version is now available on the iTunes AppStore (TimeHue). An Android edition of TimeHue will soon be available on the Android Marketplace.
A web-app compatible version can be viewed here: TimeHue.
TimeHue was designed and developed by Douglas Edric Stanley for the abstractmachine.net « discrete clocks » series. The iOS and Android editions were built with OpenFrameworks. The web-app edition was built with Processing.js.
I was recently given a copy of this book on Processing by Liang TAN. This is great news as Liang was an invited instructor during the 2009-2010 academic year at the Atelier Hypermédia where he studied Processing (amongst other things) and participated in the Mur Communicant/CityMedia project. While I don’t (yet) read Chinese, I was able to more or less read the book by studying the code and gleaning information from various keywords ; it’s not an expert book, more of an overview of Processing and probably would be a decent introductory text for students starting out with the environment. At least it does get into Classes/objects near the end and has some nice sections about Arduino, libraries and so on.
I have no idea how he did it, but Shane Hinton took a typically rambling, 1+ hour interview, and compacted it down to about 10 minutes without losing any of the central arguments. I really wish I had his editing talents. And his choice for an opening rant is pretty funny :-)
In the interview I go back over the whole Invaders! controversy, give some pretentious-art-&#@*%’s perspective for gamerz debating the whole art/game issue, and then tie that in somehow with Antonin Fourneau‘s ENIAROF concept for a contemporary play festival. The transition might not be obvious, but it was in fact Eniarof that first recycled Invaders! and was the reason the piece actually got a second life. The Leipzig Games Convention version was in fact a very late iteration of the piece.
My interview is followed by an interesting essay by Trevor Owens from Play the Past about in-game terminals, and reconstructing (a) history from pseudo-documents in Fallout 3. I didn’t know Play the Past before, it looks like an interesting blog. For fairly obvious reasons, I ended up reading Rebooting Counterfactual History with JFK Reloaded and this interesting follow-up discussion which uncovers an irreverant necrophiliac comment buried in the WAD file of the game : A Revisionist History of JFK Reloaded (Decoded).
I was less impressed with the third story, but whatever. Apparently I missed a chiptune flame war. It would seem that my 8-bit subculture culture is incomplete.
Inspired by the Ludovico Treatment for moral reform, Nyan Cat Therapy uses a camera-enabled Macintosh to fully couple the human gaze to the rainbow-riding Nyan Cat. In order to maximize the full effect, subjects are required to download, decompress and exectute the accompagnying application and position themselves face-forward before their computer. Upon detection of a sustained human gaze, the Nyan Cat Therapy software will activate the enigmatic cat.
For more scientific analysis of the Nyan Cat phenomenon and its various incarnations, please visit Know Your Meme‘s page on Nyan Cat/Pop Tart Cat developing meme.
Inspiré du Traitement Ludovico, Le logiciel de Traitement Nyan Cat utilise un ordinateur doté d’une camera vidéo afin de mieux fusioner le regard humain et les forces énigmatiques du chat-arc-en-ciel, le Nyan Cat. Pour maximiser l’effet, les sujets doivent télécharger le logiciel, le décompresser et l’executer, puis se positionner devant leur écran. Au moment de la détection d’un regard humain continu, le logiciel activera le Nyan Cat.
The CityMedia system is an open platform for the exploration of public screens and new forms of collective interaction. It uses multi-touch sensors, 3*d body tracking, webcams and internet connectivity to connect people, data, media and objects. CityMedia systems can connect to other CityMedia systems, with the first two exhibited simultaneously in Aix-en-Provence and Marseille during the month of April 2011. Tthe CityMedia Project can currently be experienced at the Bâtiment d’art contemporain as part of the Mapping Festival in Geneva, Switzerland until the end of May 2011.
Over the past year, we have been building and experimenting various applications at the Atelier Hypermédia in Aix-en-Provence and at the Master Media Design —HEAD Genève. We were also joined in the prototyping phase by students and teachers from the Studio Lentigo, ESBA Marseille, the École spéciale d’architecture Paris, and the École nationale supérieure des arts décoratives, Paris. Over forty students have built about twice as many prototypes in 10 different sessions dedicated to designing, prototyping and developing uses for and with the system.
There are currently about 25 applications presented in the system, with eventually more to come at the end of a workshop dedicated to Kinect hacking this Thursday, May 26, 2011, also at the BAC. This workshop sold out very quickly, and unfortunately we do not have any more room for extra participants. So please people, stop begging, it’s heartbreaking. You are welcome to come at the end of the workshop though, and watch as will attempt to add any working applications developped during the workshop into the system.
While the project was developed principally at the Atelier Hypermédia in Aix-en-Provence, our students in the Media Design Master at the HEAD did a considerable amount of work in the design and development of the various applications and contributed as well to the design of some important platform components; as a consequence we wanted to show the result of this work in Geneva. Given that there was already this interresting festival dedicated to real-time visualization, and given the amount of body tracking and various other techniques of real-time image manipulation we use in our system, the venue seemed appropriate.
Finally, I will be giving a talk Wednesday afternoon at 16:30 at the auditorium of the BAC, along with Jean-Baptiste Labrune and VJ Fader, moderated by Nicolas Nova. For my part, I’ll be exploring some of the artistic and speculative predecessors to Microsoft’s latest Kinect device, and will finish with the artistic work, research, and collaborations that allowed us to quickly get up to speed with these new devices.
After doing some work on the City Media project in Marseille I wandered upstairs into Isabelle Arvers‘ Game Heros / Pixellissme exhibit. There I found a lonely Amstrad with Locomotive Basic waiting for someone to design something. I never knew the Amstrad, but I was quickly able to build this little thingy (30 minutes tops), with the only constraint being that the code had to fit on one screen. It’s not the most elegant code, for example I couldn’t figure out how to bitmask, hence all the OR commands.
I’m amazed at how robust the Amstrad was, some 25 years later. Since BASIC is installed in the ROM, you just have to turn it on and away you go, with the given extra of recording onto a cassette player which ironically probably stores its’ data longer than my CD-Roms I can’t read anymore. Apparently the Amstrad has some easy to access PEEK and POKE for getting sound and graphics going, but I didn’t have the time to fiddle around with it. I’ll have to get myself one and see what I can do with it. The PAPER and PEN commands are easy to learn with a totally cool list of the color table written right there on the device. What does that say about a machine that has the color codes screened directly onto the case?
Archéopterix was there maintaining the exhibit and was worried this little improvisation would dissapear, but actually that’s the whole fun of it. Just code it old-skool : type it back in and press RUN
Les organisateurs du Festival Gamerz’06 m’ont rajouté à la dernière minute (!?) dans la liste des conférences qui auront lieu cette semaine à L’école supérieure d’art d’Aix-en-Provence. Je parlerai juste après l’introduction du festival. Je reviendrai, entre autres, sur les rapports entre jeux vidéo et la création artistique, et plus spécifiquement sur les différents ambiguïtés qui rapproche et éloigne ces deux champs. Je prendrai aussi un moment pour revenir sur le mini-scandale autour de mon installation Invaders! au Leipzig Games Convention.
Si vous ne pouvez pas venir demain, ni cette semaine, vous pouvez suivre les conférences via streaming sur SelfWorld qui ouvrira son flux du festival à partir de 10h.
Traks is a combinatorial sound toy. Mixing model railroads and 1960′s minimalist composition, Traks allows players to build up circular networks of bifurcating rails that branch out into both simple and complex combinations of musical possibility. By placing notes, “tranes”, and semaphores into this ludic rail yard, a modular melody emerges, otherwise known as algorithmic music.
Traks will be exhibited at the Festival Gamerz as a playable prototype for iPad.
Traks est un jeu d’écriture musicale combinatoire. S’inspirant à la fois du modélisme ferroviaire et de la composition minimaliste des années 60, Traks propose un espace de construction ludique où le joueur compose des réseaux de pistes bifurquantes qui forment au final un enchevêtrement simple mais complexe de potentiel musicale. En plaçant ensuite des notes, des trains et des sémaphores, une modulation mélodique émerge, que l’on peut qualifier plus généralement de musique algorithmique.
Traks sera présenté au festival Gamerz sous la forme d’un prototype jouable sur iPad.
Le mur communicant est un dispositif collectif d'exploration et de découverte. Il s'agit d'un grand écran interactif. Grace à son système de capture « multi-touch » on peut littéralement toucher l'image et en modifier ainsi son contenu. Le mur récolte des informations depuis de multiples sources (téléphone, Internet, capture vidéo, borne de saisie, etc) et les re-transforme en des visualisations tactiles. De cette façon le mur n'est pas hermétique ; au contraire il s'agit d'un carrefour d'informations, d'une carte temps-réel qui simplifie et rend tangible certaines informations et relations complexes (locales/globales) qui seraient trop difficiles à représenter sur l'espace réduit d'un ordinateur personnel ou d'un ordinateur de poche (smartphone). C'est un mur/écran urbain, qui crée des relations informationnelles adaptées à l'échelle du corps humain et qui relie des corps à leurs territoires.
Pendant l'année scolaire 2009-2010, quatre workshops ont été proposés - « Mobilité », « Toucher », « Communication » et « DataFlow » — pour définir l'objet, son intérêt, ses usages. Pour la session 2010-2011 trois temps forts seront proposés pour définir/sélectionner les contenus finals du projet et pour les produire.
La principale thématique de cette dernière phase du projet tournera autour du concept de « Territoire », pour mettre l'accent sur l'idée d'une implantation urbaine du mur et du territoire qui l'entoure.
À l'intérieur de cette problématique « Territoire », l'artiste Stéfan Piat viendra pour la session de décembre, puis reviendra pour celle de février, pour travailler avec un petit groupe d'étudiants autour du concept d'une « image-paysage ». Ce travail sera plutôt un travail de photographie, de documentation d'espace(s), mais profitera néanmoins des possibilité qu'offre le mur avec une interface imaginé par les participants.
Pendant cette première session, des étudiants du département Media Design de l'Haute école d'art et de design Genève viendront également pour travailler sur la ligne éditoriale du mur, en collaboration avec Seconde Nature et divers partenaires institutionnelles du projet.
La deuxième session — janvier 2011 — sera mené en parallèle avec le workshop New Atlantis. Pendant cette session les étudiants peuvent travailler sur un de ces deux projets, à l'intersection des deux, ou peuvent tout simplement faire avancer leur application pour l'exposition finale.
La troisième session permettra de réunir l'ensemble de travaux et de terminer les projets débutés dans les sessions de décembre ou de janvier.
Le projet se terminera avec une exposition (mars/avril 2011) aux bibliothèques Méjanes (Aix-en-Provence) et Alcazar (Marseille). Un prototype sera également montré en début du février lors de la rencontre Lift11 à Genève. Divers suites du projet (MP2013, festivals, etc.) sont également envisagées, mais ne seront décidés qu'à la fin de cette première année de développement du projet.
Un paysage est un lieu transformé, que ce soit par l'acte physique qui consiste à l'habiter, ou par la transformation qu'opère sur lui la perception humaine pour établir les bases d'une carte, ou d'une image. Le paysage est une representation, qui n'existe que dans le regard que l'on porte sur lui. Il est relatif à un ensemble de dispositifs techniques d'observation. Ainsi la photographie a-t-elle façonnée notre interpretation du paysage. Considérée comme l'outil représentant le plus fidèlement le réel, elle est issue du code perspectif qui organise la representation depuis un point de vue unique, immobile. Il manque à l'image photographique comme paysage, l'experience de l'espace pour le corps, une expérience spatiale. Au regard de la notion de point de vue, nous experimenterons des formes photographiques interactives afin de reflechir au lien entre le corps, le regard et la photographie.
Ce workshop propose de concevoir une oeuvre interactive questionnant les liens entre photographie et déambulation. Sur le mode de la promenade nous explorerons un territoire, et chercherons à en donner une forme par la mise en place d'une cartographie sensible mettant en scène des photographies et leurs possibles relations interactives.
ARTISTES - PROJETS
Stephen Shore
Marin Kasimir
Miroslaw Rogala – Lovers Leap (1995)
Geoffroy Mathieu – Dos à la mer (2005, 2008) / La dynamique des paysages (2005, 2010)
Paul Strand & Charles Sheeler - Manhatta (1921)
Jan Dibbets - Panorama Dutch Mountain (1971)
David Hockney - Pearblossom Highway (1986)
Michael Snow – La region centrale (1970)
Bill Viola – The Reflecting Pool (1979)
Dieter Appelt – Forth Bridge, Cinema.Metric space (2004)
Andreas Gursky Alain Paiement – Living Chaos (2004)
Dominique Gonzales Foerster - Parc central (2006)
Beat Streuli David Claerbout - Arena (2007)
James Benning – 13 Lakes (2004)
Gus Van Sant – Gerry (2004)
David Rokeby – Machine for taking time (2001)
Wolfgang Staehle – Untitled (2001)
Kurt Ralske – Time square ,Timeshare (2006)
Michael Naimark – BeNowHere Interactive (2007)
Zbig Rybczynski – Tango (1980)
Joachim Sauter & Dirk Lüsebrink - The Invisible Shape of Things Past (1995)
Camille Utterback - Liquid Time (2000)
Alvaro Cassinelli & Masatoshi Ishikawa Khronos Projector (2005)
Mateusz Herczka – Zuidvleugel (2007)
Michael Aschauer - Danube Panorama Project (2005)
Stephan Schulz – Travelrama (2004)
Stadtmusik – Mauerpark (2006)
LIVRES
Paul Auster – Trilogie New Yorkaise
Bruce Chatwin – Le chant des pistes
Thierry Davila – Marcher, créer
Robert Walser – La promenade
ZKM – Future Cinema
Catherine Grout – L'émotion du paysage
David Hockney – Ma façon de voir
Marc Augé – Non lieux
Philippe Vasset – un livre blanc
Georges Perec – Tentative d'épuisement d'un lieu parisien
Playable consoles/games: Atari 2600 – Pacman, Atari 2600 – Missile Command, CBS Colecovision – Donkey Kong, MB Vectrex – Minestorm, MSX – Nemesis, Atari 520 ST – Arkanoid, Amiga 500 – Lemings, Nintendo NES – Super mario bros, SEGA Master System – Alex Kidd, SEGA Megadrive – Sonic, Nintendo Super Nintendo – Super Mario Kart, SNK NeoGeo – Metal Slug, Atari Jaguar – Rayman, SEGA Saturn – SEGA Rally Championship, Sony PlayStation – Tekken, Nintendo N64 – GoldenEye 007, SEGA Dreamcast – REZ, Sony PlayStation2 – Okami, Microsoft XBOX – Top Spin, Nintendo GameCube – Star Wars Rogue Leader, Nintendo Game Boy – Tetris
I was invited a few months back by the very respectible Poptronics to participate in this exhibition which, now that I’ve taken the time to explore the website a little, actually looks pretty interesting. For the « interviews » section of the exhibition, I was asked to revisit the ugly Invaders! brouhaha, as well as to opine on the age-old debate yawn! on the relationship between art + gaming. I am also in pretty cool company; folks like Nicolas Nova, Invader, Isabelle Arvers, Frédérick Raynal, etc.
I’m particularly interested in the scenography of the exhibit which attempts a mise en scène of the both the public and private act of old skool gaming. Video games have over the years often been constructed as a very private act — not all that different from the act of reading –, while at the same time utilizing explicitly shared media such as the family television set as its transmission device. Even in the context of collective gameplay the ultra-tricked-out PC often encloses the gamer through various devices, in an attempt to surround the gamer within their specific perspective of the game world/gameplay. The Gameboy of course created the ultimate template for this enclosure and will further cement this relationship via the 3ds. And yet simultaneously, this configuration has very much been called into question, thanks to phenomena such as Guitar Hero/Rock Band or Nintendo’s own Wii.
The question therefore become, how to expose such a configuration; how to exhibit the game as both image-sound media object and human-computer apparatus. This is not only a question of gameplay, although there is of course that aspect as well: we cannot very well pretend to exhibit the video game as cultural artifact without in some way exposing its various forms gameplay from within the immersive shell. But it is also the notion of another form of shared configuration, specifically of the human-computer embrace that takes place when we sit down and pick up the joystick in its invitation to play. There is an interesting spectacle in that embrace, or at least when considered as a phenomenon in and of itself.
There are also a few other curiosity pieces, such as Sega’s stereo-laserdisc « Time Traveller » which I was actually able to play a few weeks ago at California Extreme 2010. It’s a strange pseudo « Hollogram » device, which plays more or less like laserdisc classics such as Dragon’s Lair. The cheez-y gameplay sucks, but of course you knew that already. Nevertheless it sure feels like an under-explored technology that I wouldn’t be surprised to see recycled in some modified form over the next few years.
Just a quick note to announce that I’ll be conducting a seminar this afternoon at the Portuguese Catholic University. I’ll be showing work and discussing our research at the Media Design department in Geneva and the Atelier Hypermédia in Aix-en-Provence. More specifically, we’ll be discussing the current mutation of art/media in the wake of the massive introduction of algorithmic machines, and role these machines play in transforming aesthetic forms.
Cet exemple plutôt complexe, voire compliqué, montre comment changer le comportement d'un objet en lui changeant sa classe.
On utilise le principe du polymorphisme qui permet à plusieurs classes d'hériter les mêmes aspects et comportements de base (position, taille, couleur, etc), puis de changer uniquement un aspect ou un comportement. On traite chacun des objets spécifiques comme un objet générique (variables communes) mais avec ses comportements spécifiques (méthodes spécifiques).
Voici un exemple qui montre comment faire un projet plutôt simple qui exploite l'aspect multi-touch des iPhone et iPad. Ce code marche uniquement avec OpenFrameworks v0062 (cf. http://github.com/openframeworks/op...). Il montre également l'utilisation des classes, structs, vectors, et #define.
À noter enfin que cet exemple révèle l'existence d'un onzième doigt humain.
Étudiant-e-s concerné-e-s : 3° / 4° / 5°
Intitulé : « Programmation artistique avancée avec OpenFrameworks »
Enseignant (s) : Douglas Edric Stanley Date et heure : 9h à 18h du 25 au 29 octobre 2010
Objectifs
Passer à la vitesse supérieure dans la programmation d'œuvres interactives et évolutives
Compréhension du langage de programmation C++
Acquisition des techniques avancés de la programmation, notamment l'usage des pointeurs et vecteurs
Comprendre l'environement de programmation « XCode »
Développement d'applications mobile (iPhone, iPodTouch, iPad)
Intégration de PureData dans un projet OpenFrameworks sur iPhone/iPad
Contenu
OpenFrameworks est un environment de création algorithmique, conçu pour et par des artistes pour faciliter la création de dispositifs interactifs et génératifs. Il s'inspire de la philosophie de Processing, et partage un certain nombre de ces fonctions : si vous vous sentez à l'aise avec les fonction de base de Processing vous serez prêt à passer le cap vers OpenFrameworks.
Pourquoi un deuxième environment de travail, alors ? Tout d'abord pour des questions de vitesse et de qualité d'affichage et d'execution. Processing est basé sur Java, alors qu'OpenFrameworks est basé sur C++, un langage beaucoup plus rapide, mais aussi un peu plus difficile à apprendre, surtout pour ceux qui n'ont jamais touché une ligne de code. En contrepartie de ce supplément d'apprentissage, le langage C++ vous permettra de travailler à la vitesse maximale de votre machine, et de faire certaines choses que vous ne pourriez jamais faire en Java.
Deuxièmement, le langage C++ est très proche de Java et lui ressemble énormément. De cette façon, OpenFrameworks a été conçu pour permettre aux personnes expérimentés de passer de l'un à l'autre dans leur apprentissage, ou en façon des besoins de chaque projet (chaque environment a ses avantages et désavantages).
Enfin, OpenFrameworks vous donnera accès à des fonctionalités — par exemple la vidéo — qui sont difficilement accessible à l'intérieur de Processing ; sinon à des plate-formes nouvelles qui nécessite une meilleure gestion des ressources de la machine, comme la plate-forme iOS d'Apple (iPhone, iPad, AppleTV, ...).
Cours intensif. Démonstration et explication des concepts avancés de la programmation, exemples et analyses d'oeuvres interactives, exercises pratiques (individuels et collectifs).
Nous recommandons fortement à tous les participants de réviser l'ensemble des cours sur [Processing–>rub81], notament ceux sur les listes et la programmation orientée-objet. Le cours sur Processing sera par exemple une bonne préparation pour cette formation.
Matériel personnel
Les machines sont fournis par l'atelier, et les logiciels entièrement gratuits. Nous recommandons néanmois aux étudiants d'apporter leurs ordinateurs portables s'ils en possèdent. Pour ceux voulant exécuter directement leurs programmes sur iPhone ou iPhone, une machine MacIntel sera nécessaire.
Stage de remise à niveau
du 18 au 22 octobre 2009 (9h-12h / 14h - 17h)
Enseignant : Douglas Edric Stanley
Années concernées : 3°/4°/5°
Objectifs
Découvrir les possibilités de l'algorithme dans la création de dispositifs artistiques. Bien connaître l'environnement de programmation « Processing ». Acquisition des techniques de base permettant de gérer seul ou à plusieurs un projet d'œuvre interactive ou évolutive.
Contenu
Souvent on sous-estime le rôle de la programmation dans les œuvres interactives, oubliant que l'interactivité nécessite en réalité la création d'un programme. Malheureusement, l'ordinateur ne créera pas ce programme à notre place. HAL9000 n'existe pas encore, ce qui est plutôt rassurant, mais la plupart du temps gênant pour l'étudiant en arts plastiques qui n'a pas forcément envie de devenir ingénieur informatique pour créer des œuvres artistiques. Heureusement de nombreux artistes ont déjà traversé cette difficulté et ont laissé derrière eux de puissants outils à la fois ouverts, gratuits et conçus spécifiquement pour des étudiants en art.
Ce cours utilisera un des plus célèbres logiciels de programmation artistique : Processing (http://www.processing.org). Le cours sera basé sur des cours en ligne du site de l'école (http://www.ecole-art-aix.fr/rubrique81.html) et le nouveau livre Processing, dessiner et créer avec du code informatique qui vient d'être publié sous une licence libre. Ce deux cours en-ligne et/ou sur paper, permettront à l'étudiant de revenir à n'importe quel moment après la formation sur les concepts et techniques enseignés, mais à son propre rythme. Ces cours en ligne seront révisés sur place, accompagnés d'expérimentations artistiques.
La base de Processing est la création d'images et nous axerons le cours sur ces aspects de l'environnement. Mais Processing peut manipuler de nombreuses autres matières : nous traiterons par exemple les entrées audio et vidéo, des programmes en ligne, et l'interfaçage avec le monde physique via Arduino ou Pinguino.
Méthode d'enseignement
Démonstration et explication des concepts de base de la programmation, exemples et analyses d'oeuvres interactives, exercices pratiques (individuels et collectifs).
Nous devons noter ici qu'aucune connaissance préalable est nécessaire pour suivre ce cours, et rappelons à tout ceux qui auraient fuit les mathématiques en s'inscrivant dans une école d'art, que la programmation n'est pas de la mathématique et peut être un lieu fertile pour l'exploration artistique.
Particularités
Les machines sont fournies par l'atelier, et les logiciels entièrement gratuits. Nous recommandons néanmoins aux étudiants d'apporter leurs ordinateurs portables s'ils en possèdent.
Casey Reas, "Processing : A Programming Handbook for Visual Designers", 978-0262182621
Daniel Shiffman, "Learning Processing", 9780123736024
Kostas Terzidis, "Algorithms for Visual Design Using the Processing Language", 978-0470375488
Joshua Noble, "Programming Interactivity : A Designer's Guide to Processing, Arduino, and openFrameworks", 978-0596154141
Ira Greenberg, "Processing : Creative Coding and Computational Art", 978-1-59059-617-3
Bill Moggridge ed., "Designing Interactions", 978-0262134743
John Maeda ed., "Code de création", 978-2878112467
John Maeda, "Design by Numbers", 978-0262632447
John Maeda, "Maeda@Media", 978-2878111866
Lucy Bullivant, "4D Space, Interactive Architecture", 978-0470090923
Tom Igoe, "Making Things Talk : Practical Methods for Connecting Physical Objects", 978-059651051
In Scolu one discovers a virtual and interactive aquarium – also a multi-tactile interface – inhabited by aquatic creatures created by Leïla Jaquet in collaboration with Stanislas Bernatt (HEAD–Geneva/Media Design). By placing their iPhone on the interface, visitors see the behaviour of the creatures alter: when one of these creatures enters an iPhone, the visitor can take it with them and then give or exchange it. The experience is therefore intended to continue and to spread beyond the walls of the exhibition.
Scolu begins as an interactive aquarium, populated by virtual creatures. As a gateway between digital life and physical life, the aquarium is the starting point of a journey that will eventually lead to the four corners of the planet. Moving from iPhone to iPhone, from pocket to pocket, the virtual creatures form a community that is both real and virtual, connecting human beings and virtual creatures through physical contact. The experience is thereby prolonged beyond the walls of the exhibition and seeks to spread itself well beyond its source.
update: I’m updating this post now because of a recently released video that I have yet to publish here.
Scolu prend naissance dans un aquarium virtuel et interactif, peuplé de créatures virtuelles. Passerelle entre vie numérique et vie physique, l’aquarium est le point départ d’un périple que ces créatures vont faire à travers la planète. Ces êtres se propageront à travers le monde, passant d’iphones en iphones, de poches en poches, formant ainsi une communauté à la fois réelle et virtuelle puisqu’elle réunie êtres humains et créatures virtuelles autour d’un contact physique.
Voici un fichier .ai et .pdf pour fabriquer votre propres T-Shirts pour se rappeler à tout moment les fondamentaux de la programmation objet. Sur un côté on trouve la définition de la classe, sur l'autre les instructions pour créer 1000 instances de cette classe.
Stephen Shore
Étudiant-e-s concerné-e-s : 3° / 4° / 5°
